Оцените материал

Просмотров: 35731

Самые многообещающие музейные выставки этой осени

31/08/2011
Весь Герхард Рихтер в Tate Modern, весь Карстен Хёллер в New Museum и весь Кателлан в Гуггенхайме. Коммунистический Ривера в МоМА и многое другое

Имена:  Анри Сала · Герхард Рихтер · Диана Арбус · Диего Ривера · Маурицио Каттелан · Саня Ивекович · Тарин Саймон · Томас Сарацено · Шейла Камерич

©  Courtesy Melanchotopia

Филип Гилиссен. Отсюда все время под уклон. 2011

Филип Гилиссен. Отсюда все время под уклон. 2011

Меланхотопия / Melanchotopia
Центр современного искусства Witte de With, Роттердам
3 сентября — 27 ноября
Открытие — 2 сентября, 14:00

Кураторы Николаус Шафхаузен и Анн-Клер Шмитц пригласили сорок международных художников, в том числе Монику Бонвичини, Эрика ван Лисхаута и Маркуса Шинвальда (представлял Австрию на последней Венецианской биеннале), принять участие в проекте, который будет представлен в сорока точках на карте Роттердама. Это различные общественные места, в частности школа, гостиница, порт, казино, музей, вокзал, супермаркет и т.д. В своем проекте кураторы пытаются отойти от привычной практики показа искусства в публичном пространстве, которая, по их мнению, создает параллельный действительности «художественный» слой. Наоборот, показанные работы должны выявить настоящее вечно строящегося, обращенного в будущее города, работая со всевозможными аспектами повседневной жизни. Художники реализуют разные проекты, от масштабных интервенций до скромных жестов, взаимодействуя с городской средой, а в самой институции будет показана документация и картография «Меланхотопии». Полный список участников: Saâdane Afif, Harold Ancart, Danaï Anesiadou, Sven Augustijnen, Dirk Bell, Michael Beutler, Guillaume Bijl, Pierre Bismuth, Monica Bonvicini, George van Dam, Thea Djordjadze, Olivier Foulon, Murray Gaylard, Filip Gilissen, Adam Gillam, Arnoud Holleman, International Festival, Leon Kahane, Erik van Lieshout, Minouk Lim, Sarah Morris, Alex Morrison, Kate Newby, Ricardo Okaranza, Henrik Plenge Jakobsen, Nina Pohl, Tomo Savić-Gecan, Markus Schinwald, Slavs and Tatars, Tobias Spichtig, Nasrin Tabatabai & Babak Afrassiabi, Zin Taylor, Harald Thys & Jos De Gruyter, Octavian Trauttmansdorff, Kostis Velonis, Lidwien van de Ven, Peter Wächtler, Lawrence Weiner.


Томас Сарацено. Облачные города / Tomás Saraceno. Clouds’ cities
Hamburger Bahnhof, Берлин
15 сентября 2011 — 15 января 2012

©  Tomás Saraceno / Courtesy Atelier Calder

Томас Сарацено. Облачные города. 2010

Томас Сарацено. Облачные города. 2010

Вдохновляясь мыльными пузырями и паутинами, художник аргентинского происхождения Томас Сарацено, живущий во Франкфурте, заполнит Hamburger Bahnhof мобильными архитектурными конструкциями из наполненного воздухом прозрачного пластика, внутри которых зритель может передвигаться, как бы утрачивая гравитацию, зависая и утекая и, вероятно, испытывая настоящий катарсис, которым современное искусство нас вообще не балует. По словам художника, его проект «Облачные города» вдохновлен крупнейшим международным аэропортом Франкфурта, и сама инсталляция, как сообщается, будет беспрецедентного для Сарацено масштаба — около двадцати (если это о чем-то говорит) огромных надувных шаров.


Индийское шоссе / Indian Highway
Музей MAXXI, Рим
21 сентября 2011 — 29 января 2012

©  Courtesy the artist and ARNDT, Berlin / Photography 'Iris Dreams, Mumbai'

Джитиш Каллат. Выдача багажа (фрагмент)

Джитиш Каллат. Выдача багажа (фрагмент)

Совместный кураторский проект Джулии Пейтон-Джонс (Julia Peyton-Jones), Ханса Ульриха Обриста и Гуннара Кварана (Gunnar B. Kvaran) уже третий год путешествует по Европе — он был показан в Astrup Fearnley Museum of Modern Art в Осло, в датском Herning Museum of Contemporary Art, в Лионском музее современного искусства и в сентябре доберется до музея MAXXI в Риме, который наряду с Serpentine Gallery и норвежским музеем был организатором проекта. Выставка представляет разнообразную панораму современной индийской художественной сцены, о которой во всем мире знают довольно мало и которую этой выставкой фактически открывают миру. Образ шоссе — связующего элемента между миграционными потоками, двигающимися из периферии в город, — намекает на технологическое развитие Индии, экономический бум и растущую роль Азиатского континента в художественном мире после 1990-х.


Журнал ASPEN / ASPEN magazine
Музей MACBA, Барселона
22 сентября 2011 — январь 2012

Выставка, подготовленная куратором Бартоломеу Мари, посвящена легендарному мультимедийному журналу в коробке ASPEN, который издавался с 1965-го по 1971 год в Аспене (Колорадо). Всего вышло десять номеров журнала, которые подписчики получали по почте в коробке. Там содержались самые разные медиа, в том числе печатные материалы, аудиозаписи, объекты и т.п. Сам журнал, сделанный художниками (альтернативный музей и художественный объект одновременно) давно стал предметом изучения и поклонения. Первые два номера были посвящены местной культуре, зато оставшиеся восемь — памятник центральным явлениям искусства и культуры 60-х. Третий номер, про поп-арт и контркультурную сцену Нью-Йорка, собрал Энди Уорхол; четвертый исследует маклюэновские идеи о медийном обществе; сдвоенный 5-6 номер, подготовленный критиком Брайаном О’Доэрти, о концептуализме, минимализме и постмодернистской теории (в частности, именно для него Ролан Барт написал эссе «Смерть автора»). Предметом седьмого была новая британская арт-сцена; восьмой номер (его дизайнером был Джордж Мачюнас, главным редактором — Дэн Грэхем) был посвящен преимущественно Флюксусу. Девятый исследовал искусство и литературу психоделического движения, темой десятого стали искусство и философия Азии. Теперь содержимое всех десяти коробок с музейной педантичностью будет представлено в аккуратном «белом кубе», в пику которому некогда создавался сам журнал.


Тарин Саймон. Живой человек, объявленный мертвым, и другие сюжеты / Taryn Simon. A Living Man Declared Dead and Other Chapters
Neue Nationalgalerie, Берлин
22 сентября 2011 — 1 января 2012

©  Taryn Simon

Тарин Саймон. Живой человек, объявленный мертвым, и другие сюжеты. 2011

Тарин Саймон. Живой человек, объявленный мертвым, и другие сюжеты. 2011

Одна из образцовых представительниц современной арт-фотографии, Тарин Саймон на основе документальных материалов и свидетельств занимается постановочной съемкой, уделяя большое внимание деталям и техническому совершенству образа. И хотя ее самая известная серия, «Невиновные» (2000), была сделана по заказу The New York Times Magazine, все это уже нисколько не напоминает фотожурналистику. Эту серию, кстати, весной показывали в «Гараже» на выставке «Когда наступает сайчас»: Саймон в ней сняла людей, которые были несправедливо обвинены, а затем оправданы, избежав тем самым смертного приговора; при этом съемки каждого героя проводились на месте преступления. В другой своей известной серии, An American Index of the Hidden and Unfamiliar, Саймон запечатлела около шестидесяти «нехороших» мест в Америке — по каким-то историческим или мифологическим причинам они считаются своеобразным табу, и американцы в повседневной жизни их избегают. Впервые в Европе будет показана новая серия Саймон «Контрабанда», где художница сняла нелегально ввезенные в США и конфискованные на таможне вещи; сейчас ее выставляет Галерея Гагосяна в Нью-Йорке.


Герхард Рихтер. Панорама / Gerhard Richter: Panorama
Tate Modern, Лондон
6 октября 2011 — 8 января 2012

©  Gerhard Richter / Courtesy San Francisco Museum of Modern Art

Герхард Рихтер. Читающая. 1994

Герхард Рихтер. Читающая. 1994

Большая ретроспектива, приуроченная к 80-летию одного из самых великих художников нашего времени, охватывает почти полвека его творчества. На ней будут показаны самые значимые работы Герхарда Рихтера: портреты, написанные по фотографиям; абстракции; пейзажи; цветовые диаграммы; работы на бумаге; зеркала и три конструкции из стекла. Рихтер одним из первых немецких художников начал делать работы о нацистском прошлом, в частности портреты членов семей нацистов и их жертв, а также картины, навеянные образом бомбежки Дрездена. В 1988 году он создал серию из пятнадцати черно-белых картин, посвященных RAF − террористической группе Баадер-Майнхоф («18 октября 1977»). Позже он продолжал отвечать на важные моменты в истории — его картина «Сентябрь 2005» посвящена террористической атаке на башни ВТЦ в Нью-Йорке в 2011-м. Кроме «исторических» картин, на выставке — самые значимые концептуальные и абстрактные работы Рихтера, например картина 1974 года с образцами раскраски квадратиков в 4096 разных оттенков. Впервые показывается за пределами Германии двадцатиметровая «Черта» (Stroke, 1980). Кураторы — директор Tate Николас Серота и Марк Годфри. Выставка будет идти одновременно с ярмаркой Frieze и, очевидно, составит главный аттракцион параллельной программы.


Анри Сала и Шейла Камерич, 1395 дней без красного / Anri Sala & Šejla Kamerić, 1395 DAYS WITHOUT RED
Музей MACBA, Барселона
7—8 октября, 20:30

©  Šejla Kamerić and Anri Salaa / Cortesy MACBA

Анри Сала и Шейла Камерич. «1395 дней без красного» (кадр из видео). 2011

Анри Сала и Шейла Камерич. «1395 дней без красного» (кадр из видео). 2011

Под красным здесь, очевидно, понимается кровь. В новой работе художника албанского происхождения Анри Сала и художницы из Сараево Шейлы Камерич отсутствие крови маркирует, что разворачивающееся в 60-минутном фильме действие происходит в наши дни, тогда как женщина на экране, за повседневной жизнью которой следит камера, существует как тогда, в те 1395 дней осады Сараево с 1992-го по 1996 год, когда жители города ежедневно находились под снайперским прицелом и, передвигаясь по городу, каждый раз оценивали ситуацию с точки зрения безопасности, выбирали маршрут и т.д. Сегодняшняя героиня совместной работы двух балканских художников повторяет эти маршруты, в мирное время совершает воспроизведение обыденной жизни в ситуации чрезвычайного положения. В своем индивидуальном путешествии в коллективное прошлое она обращается к опыту других людей, связанных с определенным местом в городе. В данном случае Анри Сала − один из самых заметных молодых художников (его выставка в октябре — ноябре пройдет в Serpentine Gallery), как правило снимающий нечто медленно происходящее или вовсе неподвижное в противовес мельканию образов в массмедиа, − выступает соавтором Камерич, которая в своих работах отражает драму падения коммунистического режима и последующий болезненный поиск национальной и социальной идентичности, а также противоречия между укорененными в локальной культуре традициями и глобализированным lifestyle. В MACBA состоится мировая премьера этого фильма, сопродюсером которого выступил музей.


Диан Арбус / Diane Arbus
Jeu de Paume, Париж
18 октября 2011 — 5 февраля 2012

©  The Estate of Diane Arbus LLC, New York

Диан Арбюс. Ребёнок с игрушечной гранатой в Центральном парке. 1962

Диан Арбюс. Ребёнок с игрушечной гранатой в Центральном парке. 1962

На первой крупной ретроспективе Дианы Арбус (1923−1971) во Франции будет показано около двухсот ее фотографий — как самых известных, так и впервые выставляющихся. Снимая своих героев в Нью-Йорке на протяжении 1950−1960-х годов, Арбус создала чрезвычайно сильные, подчас шокирующие портреты современников, выступая своего рода антропологом. Как пишут организаторы выставки, «ее дар состоял в том, чтобы показать странность того, что мы считаем самым обычным, и в том, чтобы обнаружить обычное в экзотическом, расширить наше восприятие самих себя». И действительно, еще неизвестно, какие из запечатленных Арбус персонажей выглядят «чудесатее»: трансвеститы, религиозные фанатики, циркачи, знаменитости и эксцентрики или дети и семейные пары из среднего класса. Следующим летом выставка будет показана в Martin-Gropius-Bau в Берлине.


Кинхольц: знаки времени / Kienholz. The Signs of the Times
Shirn, Франкфурт-на-Майне
22 октября — 29 января 2012

©  Collection of the artist. Courtesy of L.A. Louver, Venice, CA / Courtesy Nancy Reddin Kienholz / Photography: Copyright Kienholz. Courtesy of L.A. Louver, Venice, CA

Эдвард Кинхольц и Нэнси Реддин Кинхольц. The Pool Hall. 1993 Details

Эдвард Кинхольц и Нэнси Реддин Кинхольц. The Pool Hall. 1993 Details

Выставка американского художника, впоследствии перебравшегося в Германию и с 1972 года работавшего в соавторстве со своей женой Нэнси Реддин Кинхольц, − что называется, для любителей сильных ощущений. Это натуралистичные, в человеческий рост скульптуры, выполненные по принципу ассамбляжа (в эпоху, когда Кинхольц работал на Западном побережье США, это называлось джанк-артом) и разоблачающие самые нелицеприятные стороны современности − проституцию и сексуальную эксплуатацию женщин, конфликты на национальной почве и войну. В общем, весь список сюжетов, который организаторы выставки называют «центральными трендами современного искусства», в частности усматривая влияние Кинхольца в работе Джонатана Меезе и Томаса Хиршхорна. После большой ретроспективы художника 1996 года в Нью-Йорке, Лос-Анджелесе и Берлине в Schirn впервые будут собраны вместе масштабные работы Кинхольца, его так называемые «моральные картины» и небольшие скульптуры.


Карстен Хёллер: Опыт / Carsten Höller: Experience
New Museum, Нью-Йорк
26 октября 2011 — 15 января 2012

©  Courtesy New Museum, New York

Карстен Хёллер. Lichtraum (Light Room). 2008

Карстен Хёллер. Lichtraum (Light Room). 2008

После выставки «Остальгия» в Новом музее в Нью-Йорке на всех пяти этажах откроется масштабная выставка Карстена Хёллера, художника бельгийского происхождения, живущего и работающего в Стокгольме, которого считают одним из самых значительных явлений в современном искусстве за последние двадцать лет. Подобно ряду других авторов, возникших на арт-сцене в начале 90-х, среди которых Филипп Паррено, Риркрит Тиравания и Андреа Циттель, Карстен Хёллер использует ресурс мультидисциплинарности, чтобы расширить опыт восприятия искусства. В 1994 году художник бросил свою научную карьеру (он исследовал коммуникационные стратегии насекомых), чтобы всецело посвятить себя искусству. С тех пор он исследует границы логики и чувственного восприятия, расшатывает ощущение времени и пространства у зрителя, устраивая разные хитроумные световые и пространственные эффекты — стробоскопный свет, зеркальная карусель или спуск-труба. Для выставки в Новом музее Хёллер создаст некую единую сценографию, объединяющую его работы (многие из которых напоминают научную лабораторию, детскую комнату или утопическое жилище будущего), сделанные за отчетные двадцать лет. Куратор — Массимилиано Джони.


Маурицио Каттелан: Всё / Maurizio Cattelan: All
Музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк
4 ноября 2011 — 22 января 2012

©  The Solomon R. Guggenheim Foundation / Photo: David Heald

Маурицио Каттелан. Мы — это революция. 2000

Маурицио Каттелан. Мы — это революция. 2000

Другой герой 90-х, шутник и провокатор Маурицио Каттелан, покажет в Музее Гуггенхайма более 130 работ, сделанных за период с конца 80-х до наших дней, из публичных и частных коллекций; ранее они никогда не выставлялись вместе. Кроме того, для спирального центрального пространства Гуггенхайма Каттелан создаст драматичную инсталляцию, которая «инкапсулирует» всю созданную им до этого художественную продукцию.


Диего Ривера: Фрески в музее МoМА / Diego Rivera: Murals for The Museum of Modern Art
MoMA, Нью-Йорк
13 ноября 2011 — 27 февраля 2012

©  Courtesy The Museum of Modern Art. Abby Aldrich Rockefeller Fund

Диего Ривера. Крестьянский лидер Эмилиано Сапата. 1931

Диего Ривера. Крестьянский лидер Эмилиано Сапата. 1931

Диего Ривера был вторым после Анри Матисса художником, который удостоился монографической выставки в MoMA. За шесть недель до открытия в конце 1931 года музей пригласил известного муралиста, чтобы тот на месте создал фрески, выделив ему мастерскую в музее. Работая круглосуточно с двумя помощниками, Ривера создал пять больших «портативных фресок» на тему революции и классовой несправедливости в Мексике. После открытия Ривера дополнил их тремя фресками, посвященными Нью-Йорку, американскому рабочему классу и социальному расслоению эпохи Великой депрессии. Настоящая выставка впервые почти за восемьдесят лет соберет вместе все восемь фресок, сделанные Диего Риверой для этой выставки, а также рисунки в масштабе для знаменитой фрески Рокфеллеровского центра, над которой он одновременно работал. Обращаясь к нью-йоркскому периоду художника, выставка рисует образ космополита, свободно перемещающегося между Россией, Мексикой и США, и эту попытку «свежим взглядом посмотреть на пересечения художественного производства и радикальной политики в 1930-е», к сожалению, можно будет увидеть только там. Куратор − Леа Дикерман.


Саня Ивекович: сладкое насилие / Sanja Iveković: Sweet Violence
MoMA, Нью-Йорк
18 декабря 2011 — 26 марта 2012

©  Sanja Iveković

Саня Ивекович. Личные надрезы (кадр из видео). 1982

Саня Ивекович. Личные надрезы (кадр из видео). 1982

Первая музейная выставка работ урожденной югославской, а ныне хорватской художницы Сани Ивекович (р. 1949), одной из самых ярких звезд восточноевропейского искусства, представляет сорок лет ее творчества, или, как теперь принято говорить, карьеры. Феминистка, активистка, пионер видеоискусства, художница, принадлежащая к поколению «Новой художественной практики», Ивекович начала работать в начале 1970-х, в период т.н. «хорватской весны», когда художники противопоставили себя официальному искусству. На выставке будут показаны главные ранние одноканальные видео Ивекович (например, «Сладкое насилие» − Sweet Violence, 1974) и около ста фотомонтажей из известной серии «Двойная жизнь» (Double Life, 1975—1976), где художница противопоставляет фотографии из личного фотоальбома рекламным снимкам со страниц женских журналов. В 1990-е и далее художница фокусируется на переходе от социализма к постсоциалистической политической системе и посвящает свои работы официальной политике, гендерным ролям и парадоксам коллективной памяти.​

 

 

 

 

 

Все новости ›