Оцените материал

Просмотров: 56374

Важнейшие выставки осени – зимы 2009–2010

Давид Рифф · 25/11/2009
Если вас занесло в Европу или Нью-Йорк: самые интересные музейные проекты рождественского сезона по выбору OPENSPACE.RU

Имена:  Артур Жмиевски · Габриэль Ороско · Джон Балдессари · Ласло Мохой-Надь · Мирослав Балка · Насрин Мухамеди · Рашид Араин · Тино Сегал · Томас Деманд · Трис Вонна-Митчелл · Урс Фишер · Федерико Феллини · Франческо Веццоли · Харун Фароки · Эль Лисицкий

©  Courtesy State Museum of Contemporary Art Thessalonik

Ольга Розанова. Без названия. 1916-1917

Ольга Розанова. Без названия. 1916-1917

Лисицкий плюс. Победа над солнцем
Vanabbe Museum, Эйндховен
19 сентября 2009 — 5 сентября 2010

©  Courtesy Van Abbemuseum / Photo Peter Cox

Вид экспозиции на выставке Lissitzky+

Вид экспозиции на выставке Lissitzky+

Право, ради этого стоит отклониться от привычного рождественского туристического маршрута под названием «Амстердам». Музей Vanabbe в маленьком голландском городе Эйндховене, имеющий репутацию одного из самых прогрессивных музеев Европы, располагает одной из наиболее полных коллекций Лисицкого, которую музей показывает в рамках трехлетнего выставочного цикла под названием «Лисицкий плюс». Первая из этих выставок (открытая до сентября 2010 года) организована вокруг оперы «Победа над солнцем» и включает в себя работы современников и учителей Лисицкого, среди которых, естественно, Малевич. На ней также осуществлены доселе не реализованные пространственные проекты Лисицкого и наконец-то можно будет увидеть трехмерную «Историю двух квадратов», а также точно сконструированную «комнату проунов». Следующая выставка обещает быть еще более интересной: Лисицкий будет представлен вместе с работами радикальных художниц своего времени. Тем самым будет поднята тема доминирования героев-мужчин в модернизме.


Play Vanabbe
Vanabbe Museum, Эйндховен
28 ноября 2009 — 21 марта 2010

©  Vanabbe Museum

Важнейшие выставки осени – зимы 2009–2010
Цикл «Лисицкий плюс» особенно любопытен в контексте того, как его уравновешивает и проблематизирует современное искусство: с марта 2006-го по ноябрь 2009-го прошла серия небольших групповых и персональных вторжений в коллекцию музея под названием Plugin, предпоследним из которых стал проект группы «Что делать?» «Активистский клуб».

Сейчас, в продолжение этой серии, Vanabbe объявляет программу и цикл выставок продолжительностью в 18 месяцев под названием Play Vanabbe, которые будут в игровой форме критиковать сам музей и условия экспонирования в нем. Визит в музей будет представлен в качестве своего рода игры с определенными правилами. Выставки будут сопровождаться лекциями, симпозиумами, исследовательской программой, а также международной конференцией. Первая выставка называется «Игра и игроки» и включает в себя реконструкцию одной забытой выставки, проходившей тут летом 1983 года, показ недавних приобретений директора музея Чарльза Эше, а также раздел, в котором художники в игровой форме спрашивают у публики, что значит «производить знания» в музее. Программа интересна тем, что поднимает понятие «институциональной критики», критики музея на новый уровень: если само это понятие было предложено в 70-е годы концептуалистами вроде Ханса Хааке, то тридцать лет спустя импульс исходит из самого музея. Однако следует отметить, что Vanabbe — исключение в этом смысле, большинство музеев не настолько самокритичны.


Ласло Мохой-Надь
Schirn Kunsthalle, Франкфурт
8 октября 2009 — 7 февраля 2010

©  Courtesy Schirn Kunsthalle

Ласло Мохой-Надь. Без названия / Ночное движение (Розовые и красные потоки огней с белыми искрами). 1937-1946

Ласло Мохой-Надь. Без названия / Ночное движение (Розовые и красные потоки огней с белыми искрами). 1937-1946

Франкфуртский Schirn представляет подробную ретроспективу творчества Ласло Мохой-Надя — пожалуй, единственного настоящего конструктивиста Баухауза. Творчество Мохой-Надя имело большое влияние в начале 1990-х и до того (его следы можно увидеть в работах таких людей, как Олафур Элиассон), а также после 1991-го, когда его в последний раз выставляли отдельной экспозицией и в таком объеме. Выставка в Schirn обещает академический взгляд на сложный и полный противоречий путь Мохой-Надя. Она состоит из 170 картин, фотографий, фотограмм, скульптур, фильмов и даже одной инсталляции под названием The Room of Today, которую художник планировал, но так и не реализовал и в которой он представляет краткую ретроспективу своих работ. Если вам случится быть во Франкфурте и посетить эту выставку, расскажите нам о том, как они обходятся с политическими связями Мохой-Надя, его симпатиями к Советскому Союзу и отношениями с советским авангардом. Ведь это то, о чем западный канон всегда умалчивал, стараясь видеть в Мохой-Наде лишь большого технического новатора.{-page-}


Томас Деманд. Национальная галерея
Neue Nationalgalerie, Берлин
18 сентября 2009 — 17 января 2010

©  Thomas Demand, VG Bild-Kunst, Bonn 2009

 Томас Деманд

Томас Деманд

Эта персональная выставка фотографа Томаса Деманда объединена одной из самых важных (при всем тематическом разнообразии его творчества) тем — Германией. Представленные здесь сорок — или около того — работ обращаются к социальным и историческим событиям, произошедшим в Германии в основном с 1945 года. Деманд, согласно своему обычному методу, воссоздает из картона обезличенные версии разных событий немецкой истории, фотографирует на широкоформатную камеру и затем уничтожает сами объекты. Выставка приурочена к двадцатой годовщине объединения Германии и дополнена лекцией под названием «Насколько немецким это было?» (название почерпнуто из недавней статьи американско-немецкого искусствоведа Бенджамина Бухло о немецких неоэкспрессионистах). Новый директор Neue Nationalgalerie Удо Киттельман, кажется, действительно хочет поднять неудобный вопрос о немецкой идентичности. И это уже вызвало протест берлинских радикальных левых, которые увидели в этом скрытый национализм.


Премия национальной галереи молодому художнику 2009
Hamburger Bahnhof, Берлин
11 сентября 2009 — 3 января 2010

©  Philiрр Sсhumаnn

Важнейшие выставки осени – зимы 2009–2010
Hamburger Bahnhof раньше был важной площадкой, но в недавнем времени слегка опустел, важные выставки тут проходят редко. Сейчас, помимо огромной постоянной экспозиции всех трех коллекций, которые составляют его собрание, и выставки Пола Пфайффера, музей показывает нечто, что, возможно, стоит посмотреть из образовательных соображений: выставку четырех очень разных финалистов ежегодной премии национальной галереи молодым художникам. Керен Ситтер и Омер Фаст принадлежат к числу самых интересных режиссеров молодого поколения. Работы Омера Фаста пробуждают надежды на новый повествовательный реализм; Ситтер скорее зачарована эстетикой французской «новой волны», в данном случае ее интересует тема интернета и насилия. Дэн Во вырастил на крыше сад, а фотографии Аннет Кельм демонстрируют, что политические аспекты изображения не всегда так ясны, как кажутся на первый взгляд. Работы Омера Фаста, если вы их еще не видели, в любом случае делают эту выставку достойной посещения. Будем надеяться, что он получит премию.


Pop Life: Art in the Material World/Pop Life. Искусство в материальном мире
Tate Modern, Лондон
1 октября 2009 — 17 января 2010

Неожиданно интересная, умная и критичная (надо обязательно прочитать все тексты) выставка, посвященная историческим корням нынешнего отождествления искусства с самопиаром и ультрагламуром, которые так раздражают все прогрессивное человечество (а не только обозревателей OPENSPACE.RU). Более того, кажется, что этот проект как бы подводит черту под эпохой, под таким пониманием искусства и объявляет, что с кризисом все это безобразие закончилось. Наконец, интересно посмотреть, что поначалу (в 1980-е годы) уравнять искусство и бизнес, согласно заветам Уорхола, было действительно интересным, рискованным и порой концептуальным проектом и что те, кто поступает так сегодня, — не более чем эпигоны, которые ничуть не лучше, чем те, что рисуют в сто пятнадцатый раз «Черный квадрат». Среди пионеров бизнес-искусства и искусства соблазна публики, конечно, сам Уорхол (со своими поздними картинами, написанными бриллиантовой пылью), а также блистательный Джефф Кунс эпохи Чиччолины (малолетним вход воспрещен), Кит Херинг (можно купить майки и значки прямо в зале музея), Ричард Принс (фото голой несовершеннолетней Брук Шилдс пришлось заменить на другую работу), Андреа Фрезер (которая в качестве арт-проекта публично отдалась первому попавшемуся коллекционеру), Мураками и многие другие, в том числе и забытые фигуры авангарда 1970— 1980-х.


Джон Балдессари. Pure Beauty/Чистая красота
Tate Modern, Лондон
13 октября 2009 — 10 января 2010

©  Джон Балдессари, частное собрание / Courtesy Tate Modern

Джон Балдессари. God Nose. 1965

Джон Балдессари. God Nose. 1965

Если уж вы в «Тейт», надо зайти и сюда. Два-три года назад казалось, что арт-мир забыл о художнике-концептуалисте с Западного побережья США Джоне Балдессари. Но теперь, особенно после Венецианской биеннале, где он получил «Золотого льва» за заслуги, он стал символом для многих людей, которые жаждут появления новой атмосферы аскетичности в арт-мире: известный слоган Балдессари «Хватит скучного искусства» превращается в «Хватит скучного гламура», по мере того как его текстовые картины становятся символом новой низкобюджетной эпохи. Этот новый статус ничего не говорит о достижениях Балдессари, полнейшую документацию которых можно увидеть на сайте Tate Modern. Здесь представлено довольно дорого снятое видеоинтервью Балдессари, там же находится описание всех тринадцати (!) залов экспозиции, но без изображений. Это, конечно же, концептуальный жест, немного напоминающий о Юрии Альберте, которого можно считать одним из многочисленных заочных учеников Балдессари.


Мирослав Балка
Tate Modern, Лондон
13 октября 2009 — 5 апреля 2010

Параллельно с ретроспективой Балдессари в Турбинном зале Tate Modern располагается инсталляция польского концептуалиста Мирослава Балки. В своем дневнике на ярмарке Frieze Екатерина Дёготь описывает этот громадный стальной контейнер как сооружение, лишенное света, размером практически с сам Турбинный зал. Вполне в стиле английского юмора, один человек там уже столкнулся с кем-то или чем-то и разбил себе нос. Почему-то это грандиозно постминималистское и не полностью лишенное претенциозности произведение очень странным образом представлено в интернете. Видимо, еще одна попытка высказывания со стороны отдела маркетинга, которая потерпела полное поражение.


Chasing Napoleon
Palais de Tokyo, Париж
15 октября 2009 — 17 января 2010

©  Courtesy Palais de Tokyo

Chasing Napoleon. Миколь Ассаель. Воркута. 2003

Chasing Napoleon. Миколь Ассаель. Воркута. 2003

Эта выставка продолжает недавний цикл, проходивший в Palais de Tokyo, посвященный почти галлюциногенным темам, названия которых напоминают научную фантастику: прошлогодняя Gacona посвящалась энергетическим полям и работам Николы Теслы, в то время как Spynumbers представляла художников, «чья сфера интересов включает в себя математическое кодирование, создание северного сияния, архивирование контактных линз» и тому подобные интересные вещи. Chasing Napoleon, составленная в похожем романтическом духе, вертится вокруг разных парадоксальных ситуаций. Здесь есть работы про Теда Качинского (человека, рассылавшего бомбы по почте и известного как Unabomber), документация всех зданий Рейкьявика и множество других увлекательных вещей. Звучит довольно поэтично, герметично и странно. Я бы пошел, если бы был там.


Федерико Феллини
Франческо Веццоли. À chacun sa vérité/У каждого своя правда
Трис Вонна-Митчелл. Finding Chopin: Endnotes 2005—2009 / В поисках Шопена: Примечания 2005—2009
Jeu de Paume, Париж
20 октября 2009 — 7 января 2010

©  Fondazione Federico Fellini, Rimini

Федерико Феллини. Сон 1-го апреля 1975. Книга снов

Федерико Феллини. Сон 1-го апреля 1975. Книга снов

Музей Jeu de Paume уже давно делает много проектов про кино, а этой осенью целых три выставки. Первая представляет Феллини и исследует сложные истоки его творческого вдохновения, а также его связи с карикатурой и фотографией; выставка структурирована не хронологически, но по темам. Эта ретроспектива (которая состоит в основном из плакатов, рисунков и мемориальных материалов) дополнена двумя новыми работами Франческо Веццоли, которого московская публика может помнить по выставке из собрания Пино, где были его фиктивные киноплакаты (и по его выступлению на дискуссии). Для Jeu de Paume он сделал плакаты для воображаемого ремейка «Сладкой жизни» с Евой Мендес в роли Аниты Экберг, а также видеоперформанс, заснятый на фестивале Performa-2007. Наконец, приглашенный куратор Елена Филипович (она была сокуратором последней Берлинской биеннале и соорганизовала недавнюю конференцию по биеннале в Бергене включила в выставку фильмы Триса Вонна-Митчелла, кинематографиста, который соединяет очень разный материал, чтобы рассказать истории об истории с большой буквы. Нынешний проект, который соединяет факты и вымысел, фокусируется на фигуре Шопена, причем не композитора, а никому не известного персонажа из контекста французского сюрреализма, который изобрел жанр машинописной поэмы.{-page-}


Harun Farocki. 22 фильма 1968—2009
Tate Modern, Лондон
13 ноября — 6 декабря 2009


©  Harun Farocki Filmproduktion

Харун Фароки. Как видишь. 1986

Харун Фароки. Как видишь. 1986

Harun Farocki
Музей Людвига, Кельн
31 октября 2009 — 7 марта 2010

Совершенно иную точку зрения на кинопроцесс и его отношение к современному искусству можно увидеть на двух ретроспективах Харуна Фароки, проходящих одновременно в двух крупных европейских музеях — Tate Modern в Лондоне и Museum Ludwig в Кельне. Они идут недолго — следовало бы их продлить с учетом плодотворности Фароки и того, какое влияние он оказал на молодое поколение своим осмыслением социально-политических условий, в которых создается кинообраз. Обе выставки включают в себя как старые черно-белые работы, так и новые исследования военных технологий получения изображения и трансляций футбольных матчей. Выставка в Музее Людвига также представляет Immersion — новую работу об обучающей программе министерства обороны США под названием «Виртуальный Ирак». Настоятельно рекомендую!


Насрин Мухамеди. Notes — Reflections on Indian Modernism/Заметки об индийском модернизме
Рашид Араин. Structures, Chakras, Triangles/Структуры, чакры, треугольники
RAQS Media Collective. Steps Away from Oblivion/Выйти из забытья

Lunds Konsthall, Лунд, Швеция
28 ноября 2009 — 24 января 2010

©  Courtesy the Glenbarra Art Museum Collection, Japan

Насрин Мухамеди. Без названия. Не датировано

Насрин Мухамеди. Без названия. Не датировано

Если вы окажетесь в Швеции, то получите шанс пережить три совершенно разных эстетических момента в исполнении художников индо-пакистанского региона. Это совпадение выглядело бы смешно, если бы не высокое качество работ: Насрин Мухамеди, чья тонкая минималистская графика стала открытием на «Документе» в 2007 году, бок о бок соседствует с крайне политизированными работами Рашида Араина, британского минималиста пакистанского происхождения, который глубоко политизировался в 1970-е годы, вступил в ряды «Черных пантер» и открыл известный критический журнал Third Text. К этим двум совершенно разным минималистам, один из которых (Насрин Мухамеди) уже умер, присоединились RAQS Media Collective. Эта также политизированная группа сокурировала «Манифесту-7» в 2008 году и теперь демонстрирует свою работу, в которой восемь режиссеров-документалистов пересматривают или переснимают ключевые моменты своих старых фильмов. Сама эта выставка — ремейк: она уже демонстрировалась в составе Indian Highway в Serpentine Gallery, куратором которой был Ханс Ульрих Обрист. Я упоминаю про эту необычную выставочную триаду потому, что она представляет несколько иное индийское искусство — не такое конъюнктурно-этническое, не такое безмятежно-глянцевое, ну и, вообще-то, более шведское, нежели всем надоевший Субодх Гупта (вспомним огромный череп на входе в выставку Пино в «Гараже»). К тому же Насрин Мухамеди — удивительный художник. Весной ее выставка поедет в Kunsthalle Basel .


Modernologies. Contemporary artists researching modernity and modernism/ Модернологии. Современные художники исследуют время модерна и эстетику модернизма
MACBA, Барселона
23 сентября 2009 — 17 января 2010

©  Courtesy of IRWIN и художники группы IRWIN, 2009

 Группа IRWIN. Ретроавангард. 2000

Группа IRWIN. Ретроавангард. 2000

Эта выставка достойна упоминания не столько из-за ее туманного названия (исследование новейшего времени и эстетики модернизма, по сути дела, то, чем художники занимаются последние сто лет, так что это может быть все, что угодно), сколько из-за представленных на ней художников, чей список является довольно странной подборкой: Алисе Крайшер и Андреас Зикманн стоят рядом с Изой Генцкен, а Гордон Матта-Кларк выставляется вместе с автором хеппенингов 60-х Густавом Мецгером, и все эти совершенно разные художники разных поколений собрались под безобидным с виду кураторским лозунгом. Что это значит? Лучший способ разведать — это посетить выставку. Возможно, смесь окажется легковоспламеняющейся.

1969
PS1, Нью-Йорк
25 октября 2009 — 5 апреля 2010

©  2009 Artists Rights Society (ARS), New York / DACS, London

Ричард Гамильтон. Свингующий Лондон 67. 1968-69

Ричард Гамильтон. Свингующий Лондон 67. 1968-69

Этот масштабный обзор будет сосредоточен на последствиях массовых волнений (а точнее, провалившейся революции) 1968 года. Он представит работы постживописных абстракционистов (например, Хелен Франкенталер), постминималистов (Сол Левитт, Карл Андрэ) наряду с более политически нагруженными Art Workers Coalition и Мартой Рослер. Большая часть этих работ — из архива MoMA. В диалог с этими классиками вступят современные художники, чьи ответные реакции будут занимать целый этаж PS1. Все это будет дополнено выставкой, посвященной истории перформанса, под названием «Сто лет» (1.11.2009—5.4.2010) и выставкой Between Spaces, представляющей неизвестных молодых художников и курируемой младшими специалистами PS1 (25.10.2009—5.4.2010). Такое название метко характеризует шаткость положения молодых художников на сегодняшний момент, в особенности когда рядом с ними ставят в таком количестве великое искусство прошлого. Выставка, похоже, сконцентрирована практически целиком на художниках, работающих в Нью-Йорке.


Урс Фишер. Marguerite de Ponty
New Museum, Нью-Йорк
21 октября 2009 — 7 февраля 2010

©  Courtesy the artist; Sadie Coles HQ, London; Gavin Brown's enterprise, New York; and Galerie Eva Presenhuber, Zürich / Photograph by Benoit Pailley

 Урс Фишер.  Без названия. 2009

Урс Фишер. Без названия. 2009

Урс Фишер, чья работа представлена на обложке текущего номера журнала «Артфорум», ранее был наиболее известен своими деструктивными вторжениями в музеи. А именно: он громил стены, полы и потолки, превращая белый куб в строительную площадку. Его работы получили широкую известность во время Биеннале Уитни в 2005 году, и с тех пор он продолжает свое восхождение на небосвод американского арт-мира. Впервые New Museum отдает все свое пространство одному художнику — рецензенты уже выразили свое разочарование отсутствием привычных разрушений и одновременно с этим — заинтригованность скульптурой и графикой Фишера, из которых состоит выставка. Роберта Смит пишет в New York Times, что выставка напоминает ей галерейный показ на трех этажах. Вскоре после открытия выставки Урса Фишера музей оказался в центре скандала, связанного с планами на показ коллекции грека Дакиса Иоанну. Скандал продемонстрировал, что в настоящий момент New Museum твердо контролируется узкой группой коллекционеров, дилеров и художников-суперзвезд, среди которых Урс Фишер и трое других художников, получивших возможность провести персональные выставки в последние три года. Сходите на выставку, чтобы увидеть, из-за чего весь этот шум. Показ коллекции Дакиса Иоанну начнется весной.


Габриель Ороско
MoMA, Нью Йорк
13 декабря 2009 — 1 марта 2010

©  The Museum of Modern Art. Gift of Agnes Gund and Lewis B. Cullman in honor of Chess in the Schools

 Габриэль Ороско. Бесконечно бегущие лошади. 1995

Габриэль Ороско. Бесконечно бегущие лошади. 1995

В подтверждение статуса Габриеля Ороско как одной из центральных фигур, появившихся в последние двадцать лет, эта персональная выставка собирает некоторые из наиболее известных концептуальных объектов, созданных в 1990-х (таких как «Ситроен», уменьшенный до одной трети своей обычной ширины, или человеческий череп, покрытый графитовой сеткой). Эти довольно гламурные работы представлены в сочетании с объектами меньших размеров и работами, выполненными на бумаге. Работы Ороско затем поедут в турне по крупным музеям, в которое войдут Kunstmuseum Basel, Центр Помпиду и Tate Modern.


Артур Жмиевски
MoMA, Нью-Йорк
28 октября 2009 — 1 февраля 2010

©  Courtesy the artist, Foksal Gallery Foundation, Warsaw, and Galerie Peter Kilchmann, Zurich

Артур Жмиевски. Скульптура под открытым небом в городе Швече. 2009

Артур Жмиевски. Скульптура под открытым небом в городе Швече. 2009

В противовес канонизации Габриеля Ороско в рамках серии Projects 91 выставляется новая работа польского художника Артура Жмиевски, который продолжает обращаться к искусству как к средству преодоления глубоких социальных потрясений. Для этого проекта Жмиевски пригласил семь художников к сотрудничеству со сталеварами польского промышленного города Швече в создании скульптур по заказу государства, снимая при этом весь совместный процесс. Проект смоделирован по примеру подобных совместных работ художников и рабочих в Польше в 1960-е годы. Однако работа Жмиевски — и это делает ее интересной и неоднозначной — вызывает спор о том, что означает воздействие подобной активистской педагогики на современных рабочих и не является ли это новой формой эксплуатации. По крайней мере именно в этом обвиняют художника многие из его более молодых современников. Работа только что была показана на Стамбульской биеннале.


Тино Сегал
Guggenheim, Нью-Йорк
29 января — 10 марта 2010

©  David Heald / The Solomon R. Guggenheim Foundation, New York

Здание Музея Соломона Р. Гуггенхайма в Нью-Йорке

Здание Музея Соломона Р. Гуггенхайма в Нью-Йорке

Говоря о новых формах эксплуатации, можно забежать немного вперед и упомянуть о выставке Тино Сегала, запланированной этой зимой в Guggenheim. Работы Сегала известны своей эфемерностью — иными словами, тем, что они являются чистым перформансом, который по требованию художника остается незадокументированным, не оставляет других следов, кроме как в памяти, что ставит его ближе к танцу (Сегал получил танцевальное и экономическое образование). На 1-й Московской биеннале современного искусства он нанял актера играть роль музейного смотрителя, который в самый неожиданный момент мог подпрыгнуть, а потом произнести имя художника (так сказать, поставить его подпись под перформансом). Сегал уже принимает заявки на участие в своем новом проекте на сайте музея. Откровенно сказать, это похоже на эксплуатацию детского труда и эффектный способ бороться с экономическим кризисом: три смены в неделю по четыре часа на протяжении шести недель для мальчиков и девочек возрастом от 8 до 12 и от 17 до 19 лет. Гонорар не предлагается, вместо него — легкая закуска и музейные льготы. При этом нужно быть «способным, обаятельным, ясно излагать свои мысли, иметь желание учиться и получить уникальный опыт».

Перевод с английского Дмитрия Венкова

 

 

 

 

 

КомментарииВсего:3

  • oleo· 2009-11-26 16:56:08
    друзья, единственное замечание - визруйте тексты пожалуйста.
    поправьте: Алисе Крайшер и Сол ЛеВитт.
  • actual· 2009-11-26 21:21:52
    Действительно, хрупко о запредельном.
  • actual· 2009-11-27 20:27:58
    (Впечатление от работ Насрин Мухамеди)
Все новости ›